Music and Rock Books

¿Tuvo Falla un negro? ¿Escuchó Lenin un cuplé en Moscú? ¿Robó Miles Davis la Saeta y la Soleá a dos músicos cofrades? ¿Era Paul McCartney de Cádiz? ¿Quién acabó con el Rock Andaluz? ¿Procesiona una cofradía del metal en Bergen? Las trece biografías musicales de "Historia provincial de la infamia" conforman una antología de vidas en las que se enlazan certezas y hechos probados con disparates y ucronías para dar forma a un artefacto literario enraizado con una forma de contar de una ciudad como Cádiz, meca de grandes narradores populares donde el arte de la coba y el embuste la convierten en una sinagoga de pícaros y cuentistas, en escenario de la historia provincial de la infamia, grandes sherezades de la mentira, de la picaresca, que contaban con donaire y agilidad la condición humana gaditana. Siempre con una guasa fundada en lo mítico. "Historia provincial de la infamia" nos relata las vidas de algunos artistas y compositores de la vieja ciudad y su ingente música, siendo conscientes del hilo rojo que existe desde el Planeta a Manuel de Falla, de Tío Gregorio el carnicero al Tío de la Tiza, de Teletusa a la Macarrona, de Enrique el Mellizo a David Palomar, de José Cubiles a Chano Domínguez.

La importancia de aquel jass primitivo no se limitaba a lo novedoso de su intrincada forma una mixtura compuesta de ragtime y notas blue que bebía del acervo juglaresco, las canciones de plantación, el vodevil y el circo itinerantes, y que deformaba con ritmos sincopados la herencia musical europea?; alrededor de este germen se desarrolló toda una subcultura con sus propias peculiaridades cuyo protagonista es el lumpemproletariado urbano que conserva aún maneras rurales de expresión comunitaria, transformadas en torno a las tabernas, los clubes nocturnos, las salas de baile y los espectáculos de diversión popular. Sin dejar de lado la experiencia de la esclavitud, pero tomando su abolición como punto de inflexión que inaugura un periodo de movilidad y contagios musicales, este primer volumen trata de determinar las condiciones sociales que posibilitaron el nacimiento del jazz y bajo qué circunstancias fue mutando; con qué avatares tuvieron que lidiar sus artífices, cómo vivieron, resistieron o se adaptaron a las coyunturas de una época de cambios drásticos; sin despreciar las peripecias particulares, qué prácticas y relaciones se dieron entre los distintos colectivos y grupos específicos atendiendo a sus procedencias geográficas y culturales, étnicas, de clase y género.

Al igual que el segundo volumen, los campos que abarca son diversos: desde el laboral al habitacional, los conflictos raciales, generacionales, económicos, los movimientos migratorios, los esfuerzos educativos, las relaciones comunitarias, familiares, sexuales, profesionales y comerciales, junto con la incipiente industria discográfica y las distintas formas que adopta el entretenimiento escénico. Todo ello unido a la irrupción de nuevas tecnologías y productos seriados que inundaron el mercado, forzado por una industrialización galopante y una voraz especulación financiera.

En los tiempos de la bañera de ginebra. Jazzbandismo, locura del baile y cultura urbana de masas.
En su afianzamiento urbano, el jass primitivo transformado en hot jazz forma parte de las experiencias históricas afroamericanas más importantes que sacuden el cambio de siglo al hilo de pugnas sociales y de reafirmación cultural, en una época de grandes movimientos migratorios internos en los Estados Unidos cuando, tras la proclamación del fin de la esclavitud legal, millones de exesclavos abandonaron el Sur segregado, ensombrecido por los linchamientos, para dirigirse a las grandes urbes del Norte en busca de empleo y mejores condiciones de vida ?si bien allí quedarían recluidos en guetos o «cinturones negros» y limitados a penosos trabajos de servidumbre?. La Historia social del jazz primitivo está sacudida por luchas laborales, disturbios raciales, códigos segregacionistas, cruzadas patrióticas inspiradas en brotes de pánico moral, leyes prohibicionistas con el consiguiente incremento del hampa organizada, auge del feminismo, primeros atisbos de emancipación juvenil, nuevos inventos tecnológicos que contribuirán a la difusión masiva de la música, etc.; todo ello imbuido por el carácter
del momento: velocidad, libertad de movimiento, mezcla de estilos, cambios en usos y costumbres, traspaso de una población otrora estancada en el campo a los grandes núcleos urbanos. Experiencias indudablemente colectivas que hacen del jazz en sus inicios algo más que la banda sonora de una época vertiginosa.

Juan Pablo Ordúñez, más conocido como El Pirata, trata de poner sobre la mesa a través de estas páginas, historias, leyendas, informes reales, testimonios directos y también misterios sin resolver.
Historias del Rock. Leyendas, cuentos y mitos alucinantes cuenta con impostores, suicidas, enterradores, vendedores de esqueletos, fantasmas, mentirosos, elegidos, encapuchados, parricidas, marbellíes, forajidos, nazis y otras historias.

Como profesional del rock y amante seguidor de esta cultura desde hace más de medio siglo, ofrece su visión y su conocimiento en algunas de las leyendas que aquí se relatan.

En otros casos, se limita a dejar que las historias fluyan por sí mismas para que cada cual saque sus propias conclusiones, sin invitar a creerlo ciegamente ni tampoco a ser un completo escéptico.

Historias donde descubriremos la especulación, la imaginación, la mentira, la exageración, la verdad o la verdad a medias... y que El Pirata nos va a contar.

David González es un poeta vital, de lengua afilada y gatillo certero. Uno de los grandes poetas maldivos, de largo recorrido, mirada crítica y universo atormentado, tal y como se puede apreciar en esta antología, que incluye además una colección de poemas inéditos. Un poeta que despierta pasiones y sabe rodearse de grandes amigos, como los músicos que acompañan estas páginas con sus semblanzas: Kutxi Romero, Kike Babas, Josu Arteaga, Indio Zammit, Felipe Zapico, Javi Pascual, Antonio Yeska y Belo, Lülu o Doris Escarlata.

«Si alguna vez un servidor tuvo ínfulas de bardo, se le quitaron de un plumazo aquella tarde en que cayó Sparrings entre mis manos. Ese pellizco todavía mora en mi pecho y, desde ese momento, jamás volvió a salir de mis labios la palabra poeta a no ser que me estuviese refiriendo a mi compadre asturiano.» Kutxi Romero

«Y es que David González no es más que eso, verdad, verdad a raudales, verdad en cada palabra, verdad en cada puño, verdad en cada letra, en cada uno de sus versos, esa verdad sutil y ruda que solo brota cuando se riega con tinta y sangre, con dolor y gloria, con placer y fracaso, con colonia barata y vino caro; esa bendita mezcla que cala hasta los huesos hasta hacerte rezumar a través de tus propios poros la misma realidad que se palpa en la humedad del ambiente que destilan cada uno de sus poemas.» Belo

Homo Musicalis es un interesantísimo estudio divulgativo sobre la relación de la música con todo aquello que nos hace humanos. Tomando como punto de partida el funcionamiento del cerebro, el autor de Historia oculta de la música analiza la importancia de la música en el desarrollo de nuestra inteligencia, centrándose en aspectos diversos de la humanidad como la religión, la naturaleza, el cosmos, el humor, la política, la violencia, la enfermedad, la política o la guerra. Temas y curiosidades que evidencian por qué la música se convirtió en algún momento de la evolución en un proceso crucial para nuestro desarrollo como especie.

Un libro que, como afirma Espido Freire en el prólogo, «te devolverá el tiempo que le regales multiplicado en hondura y en placer». Y un libro, además, que se puede escuchar, porque en cada capítulo se remite a piezas relacionadas que encontrarás en YouTube.

-La conexión biológica del sonido. De monos y pájaros
-Una sinfonía mágica. El baile de los planetas
-Partituras cifradas, guerra y diplomacia
-Ibuprofeno o canción. ¿Qué me tomo, doctor?
-Del rock al black metal. Violencia estética
-La Guerra Civil Española. Un país dividido en canciones

A mediados de los sesenta, la música popular norteamericana dio un giro copernicano cuando la fábrica de hits de Nueva York se vio desplazada por los himnos aterciopelados y edénicos que empezaron a brotar de Los Ángeles de la mano del genial productor Phil Spector y grupos como los Beach Boys, los Byrds o The Mamas and the Papas. A partir de ese momento, una serie de artistas, que empezaron a reivindicarse como cantautores de sus propios temas, encontraron en las colinas californianas de Laurel Canyon y en sus alrededores un paraíso virginal —en plena naturaleza pero a un paso del fragor de la gran ciudad— donde establecerse, echar raíces y dar rienda suelta a sus canciones de corte intimista y reivindicativo. Locales como el Troubadour, en La Cienega Boulevard, empezaron a ser frecuentados por la nueva horda de músicos, que aspiraban a tocar sus canciones en directo frente a la exigente audiencia, formada en buena parte por los propios músicos y aspirantes a estrellas. Se iría así fraguando una de las eras doradas del rock norteamericano, que empresarios de la música como un joven y aguerrido David Geffen y su socio Elliot Roberts convertirían casi de la noche a la mañana en un emporio. De este modo, sellos como Warner/Reprise, dirigidos por los linces Mo Ostin y Joe Smith, o Asylum, del tándem Geffen/Roberts, apostaron por un repertorio de folk rock y nuevo country que vio nacer a cantautores y grupos de la talla de Neil Young, Joni Mitchell, Gram Parsons, Crosby, Stills & Nash, Jackson Browne, Linda Ronstadt, James Taylor, The Flying Burrito Brothers, The Eagles o Fleetwood Mac, entre muchos otros, que se convertirían en el nuevo canon del rock y el folk de la música norteamericana a base de música introspectiva y de raíces. Sin embargo, el idealismo, la solidaridad y el talento no tardarían en dar paso a un pandemónium de celos, consumo exacerbado de drogas y sobredosis, relaciones sentimentales tormentosas, éxitos clamorosos y caídas en picado que convirtieron el paraíso en un infierno de egoísmo y capitalismo desbocado que preconizó las maneras que la industria musical desarrollaría a partir de ese momento. Esta es la historia de los artistas de aquella generación, que alumbraron algunas de las mejores canciones de todos los tiempos y cuyo legado sigue más vigente que nunca.

Hüsker Dü: encrucijada en la cumbre es la narración de la época más convulsa entre Bob Mould y Grant Hart en boca de sus protagonistas. Un libro-documental para el que Marcos Gendre pone la voz en off, mientras nos lleva de la mano hasta los mismos estudios donde los de Minneapolis gestaron la gran trilogía del punk neopsicodélico: la formada por Zen Arcade, New Day Rising y Flip Your Wig. Publicados en un espacio de 14 meses, a lo largo de este periodo se fue fraguando la lucha entre Hart y Mould por imponer sus composiciones entre ellos. De esta malsana relación pasivo-agresiva se benefició su espíritu de superación, que germinó en un geiser sónico aún no superado tres décadas después. 'Celebrated Summer', 'Pink Turns To Blue', 'Makes No Sense At All', 'Green Eyes', 'Chartered Trips', 'The Girl Who Lives On Heaven Hill', semejante caudal de inspiración sólo fue posible a partir de la rivalidad creciente entre el binomio creativo Hüsker. La misma que le allanó el camino de los suburbios hardcore al gigante Warner Bros. Entre medias, ensancharon la panorámica del punk mediante un proverbial híbrido de hardcore-pop enfocado con la ambición de los 60. De su despegue a contracorriente ellos quedaron como los pioneros. Pero su cruzada dentro los altos estamentos de la industria fue en vano: eran la máxima expresión del anti-estrellato rock. Su historia fue la gran tragedia griega del rock americano de los ochenta. De este modo, Hüsker Dü: encrucijada en la cumbre se erige como el documento que recopila las pruebas para que el lector juzgue por sí mismo. Sea cual sea el veredicto final, su lectura perdurará como sólo pueden hacerlo aquellos libros cuya lectura invita al redescubrimiento: emociones que creíamos perdidas en el baúl de la memoria.

¿Las letras y memorias en 640 páginas del Beatle «tranquilo»? ¿Acaso existía tal cosa? Publicado en 1980 por Genesis en edición numerada –y firmada por el artista–de tan solo 2.000 ejemplares, salió a la venta al prohibitivo precio de £335. Para las descoloridas ediciones más asequibles de Simon & Schuster y Chronicle Books se prescindió de buena parte del material que presentaba a todo color la edición original para coleccionistas.
La edición ampliada de Libros del Kultrum recupera todo el material descartado para dichas ediciones –cuyo disfrute parecía reservado, inicialmente, para dadivosos bibliófilos y beatlemaníacos con acreditado desprendimiento y galopante fetichismo–. Pese a ofrecérsenos buena parte de sus recuerdos –antes, durante y después de los Beatles– no son estas unas memorias al uso, toda vez que estas evocaciones llegan a través de la transcripción de sus conversaciones con Derek Taylor, el que fuera plenipotenciario jefe de prensa de los Beatles y negro de las memorias de Brian Epstein –así como del propio Harrison cuando a este se le compró su firma para prestigiar la columna semanal del Daily Express sobre las andanzas de los Beatles–. Pero donde emerge el relato autobiográfico sin interferencia alguna, y de su puño y letra, es sorprendentemente en las acotaciones del propio artista a sus canciones, a modo de presentación –y a calzón quitado–. Además de los manuscritos de las letras y otras curiosidades, exhuma una amplia selección de fotografías del archivo familiar y el de Harrisongs acompañadas, a su vez, por deliberadamente extravagantes y algo lisérgicos epígrafes («el autor disfrutando de un sándwich de queso con unos amigos» acompaña a una imagen de Harrison al sitar). Este volumen es un tesoro de inestimable valor para los adoradores de los Beatles, pero para el fan converso –de reciente cuño–, es muy probable que Harrison siga siendo tan admirable e inescrutable como siempre.

Marc Eliot es autor de valiosas obras biográficas sobre grandes figuras de la música popular (Barry White, Donna Summer, The Eagles, Phil Ochs, Bruce Springsteen y Roy Clark). También ha escrito un libro sobre la famosa activista Erin Brockovich. Un artista fundamental en la historia de la música moderna cuenta su azarosa vida. “Please Please Please” fue un grito salvaje que consagró a James Brown como encarnación de una turbulenta sacudida social y musical. Esa mítica canción apareció en 1956, más de dos décadas después de que el cantante iniciara su periplo vital y su lucha por ganarse el respeto de un mundo que nunca lo aceptó del todo. Aunque la leyenda de James Brown está cumplidamente reflejada en sus discos, en las listas de éxitos y, por desgracia, en la prensa sensacionalista, hay una historia no estrictamente cronológica que jamás se ha relatado. Es la historia de un carácter y una entereza, la historia de un negro criado en la tierra de la segregación racial que se alza contra un destino en apariencia inexorable para construirse a sí mismo como un hombre libre cuya convicción y energía sólo serían igualadas por los demonios que lo asediaban por dentro. Con un candor desconcertante, sin velar conflictos, contradicciones o tormentosos encuentros con la justicia, el hombre James Brown relata en este libro el largo viaje que, desde una menesterosa infancia, lo llevaría a la cumbre por los caminos del gospel, el R & B y el soul. Sólo él podía contar esta historia.